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OPINION
En este mundo todo parece que se etiqueta, enumera, clasifica, ordena, se cataloga y se descataloga. Todo es tendencia y deja de serlo; todos formamos parte de un clan, una facción, una tribu urbana o un club. Incluso para quien es raro y no concuerda con los cánones establecidos se ha inventado la palabra Freak o Friki en castellano.
Desde que soy pequeñito (de eso hace ya la tira de años) me gusta la música y poco a poco he ido conociendo diferentes estilos: primero me aficioné al rock and roll más clásico y luego fui adentrándome en otros géneros (country, blues, soul, pop, punk,...) Es curioso pero siempre había alguien dispuesto a aclararme si una canción o un disco era más rock o menos, más pop o menos, más o menos country, más o menos blues, más o menos indie,... etc. etc. Siempre asocian el grado de autenticidad o fidelidad con respecto a una etiqueta o estilo con la calidad del disco o de la canción, lo cual desde mi modesto punto de vista es erróneo ya que muchos de estos estilos (country, blues, soul, pop, punk,...) han nacido a partir del mestizajes, de la mezcla (el country por ejemplo no deja de ser una mezcla de muchas músicas que trajeron los emigrantes europeos a Estados Unidos, con el agravante de que muchos de sus instrumentos carácterísticos provienen de diversos lugares: la Steel guitar de Hawai, el banjo de Africa o la guitarra de España. ¿Sería alguien tan amable de explicarme que es exactamente el country puro?) Incluso hay gente que a partir de la situación contractual del artista ha creado un género (es el caso de lo que hoy en día se llama Indie, cuando en principio un artista era independiente porque sacaba discos en una compañía pequeña ¿acaso Elvis no era Indie cuando empezó sacando sus discos en Sun Records?)
A lo que iba, desde que empezamos Música Cósmica (y digo empezamos, porque también forma parte activa del programa Violeta -que ya nos ha dado muestra de sus arte y sus conocimientos en dos programas mágicos-) tomamos la decisión de no ceñirnos a ningún estilo o tendencia concreta (lógicamente tenemos nuestras preferencias) por lo que no queremos ser ni un programa de country, ni de rock, ni de soul, ni indie, ni de electrónica,..., mejor dicho, queremos ser un poco de todo a la vez. Esto comporta que no siempre contentaremos a todo el mundo, pero también que intentaremos que mucha gente descubra cosas nuevas. Decididamente damos prioridad a las buenas canciones (o las que por lo menos nos gustan a nosotros) por encima de cualquier género, moda o tendencia.
Como diría el amigo Manolo Fernández (que es tal vez la persona que más sabe de música americana de raíces en nuestro país -lo cual no quita que ADEMAS conozca mil y una musicas más- y que también conoce como nadie el negocio musical en sus distintas facetas) con respecto a su disco recopilatorio Toma Uno Radio con Botas (disco que si todavía no tenéis os recomiendo: http://www.dock-land.com/WebDock/producto.asp?id=6063&idioma=1), : "Toma Uno" nunca le ha puesto "cercas al campo". Ni quiero preservar la especie, ni estar en el gueto de los elegidos. Sigo aprendiendo de todos y de todo, y pienso seguirlo haciendo. Mientras haya artistas como estos dispuestos a enseñarme, estaré siempre preparado para tomar apuntes.
Soy bastante ignorante, lo reconozco; pero mi excesiva ignorancia es exactamente proporcional a mis ganas de conocer. Como Manolo, yo también cojo mi libreta y estoy dispuesto a tomar apuntes. Y por supuesto, si pensáis que tenéis algo que enseñarme, aquí tenéis mi dirección de correo: adolfo@musicacosmica.com
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¡¡¡STOP AL FANATISMO!!!:
Recuerdo las navidades pasadas que bajé a comprar cava para brindar con los compañeros de oficina y al preguntar en una tienda cercana me dijeron: "lo siento no nos queda, la gente no lo compra porque es catalán". Increible, pero cierto. Tuve que comprar sidra. Al volver a la oficina se lo comenté a una compañera y me dijo: "merecido se lo tienen esos putos catalanes". Os aseguro que la llamé intolerante, cateta y unas cuantas cosas más que aquí no procede decir.
Pocos meses después estoy en la lista Americana anunciando un evento y cometí el error de decir que se celebraba en Tarrasa en vez de en Terrassa. Me contestaron en catalán diciendo que Tarrasa se impuso en el franquismo y que ahora la denominación oficial es Terrassa. Yo bastante molesto (más con la forma que con el fondo) le solté la célebre sentencia de Boadella (tengo mis dudas sobre si la cogió de Josep Pla): "los nacionalismos son como los pedos, sólo le gustan a quienes se lo tiran" (eso sí, dejando claro que yo la aplico por igual tanto al nacionalismo radical españolista -ahí te he dao Chemari- como al igual de paleto y reaccionario nacionalismo radical catalanista) Probablemente yo también me excedí por mi parte, pero todo se aclaró. Algunos, los más fanáticos e intolerantes incluso sugirieron que se dieran de baja todos los catalanes de la lista, como si ellos poseyeran la verdad absoluta y representaran a todos los catalanes. Lo único que pasó es que esos fanáticos dejaron de participar.
Eso sí, investigué por el Google y descubrí que el término Tarrasa ya lo utilizaba Manuel Azaña en alguno de sus escritos y que antiguamente se escribía Terraça.
Por suerte, esas actitudes solo son las de una minoria (eso por lo menos es lo que creo) que representan las dos caras de la misma moneda del fanatismo. Por mi parte, no os váis a salir con la vuestra.
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Ante el espectáculo bochornoso que se está dando en Madrid, propio de otras épocas bastante negras en la historia de España, nuestra solidaridad con el actor Pepe Rubianes. En todo caso recordad a los que piden que se le censure, que si consideran que ha dicho algo que sea constitutivo de delito pueden acudir a los tribunales de justicia para presentar la correspondiente demanda. También, sin que sea de precedente, vamos a echar la vista atrás y recordar lo que dijimos en su día cuando la tortilla estaba dada la vuelta hacia el otro lado:
Publicado en OPINION el 26 de Diciembre, 2005 por adolfsg
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Estos días se habla mucho en algunos medios de comunicación de que se está atacando a cierta emisora de radio por ser "critica con el gobierno" y se habla de palabras como "censura".
Censura es una palabra que detesto y que me gustaría censurar. Antes que cualquier poder público o cualquier particular haga algún amago de solicitar que ese medio desaparezca de las ondas, o crear instituciones destinadas a censurar a los mismos, prefiero seguir manteniendo mi derecho a no escucharles.
Personalmente discrepo mucho de las opiniones de los colaboradores de dichos medios, y en muchos casos me han revuelto el estómago, pero creo que en caso de que alquien considere que están cometiendo un delito con sus opiniones siempre puede acudir a los tribunales de justicia por injuriar o difamar.
Creo que el seguirles la corriente es completamente negativo, porque ellos lo que quieren es vender una imagen de santos o mártires (pobres angelitos)
Lo que sí está claro, es que yo a estas alturas no me creo que lo grandes medios de comunicación de España (aunque suene conservador prefiero decir España antes que Estado Español) se rijan por otros intereses diferentes al de obtener los máximos beneficios. Unos y otros saben que tienen una posible audiencia de unos cuantos millones y no hacen sino repartirse el pastel con gente que les sintoniza, compra sus periódicos o ve sus televisiones, para escuchar, leer o ver "lo que quieren escuchar, leer o ver" (o según un servidor, que siempre hay alguien que tiene que llevar la contraria: lo que ellos quieren que escuches, leas o veas) | | |
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PRECURSORES DEL PUNK
La frase que mejor resume la filosofía punk es “Vive rápido, ama fuerte, muere joven y deja un bonito cadáver”; “Live fast, love hard, die young” es el título de una canción de un cantante country de los primeros años 50 llamado Faron Young, que si bien realizaba una música bastante más tranquila y sosegada de lo que ahora conocemos como punk, sus canciones eran sencillas y directas, no duraban más de 3 minutos, y las letras y la actitud pueden considerarse como precursoras de ese estilo.
Siempre me ha fascinado esa época en que el rock & roll estaba aún en pañales y había numerosos jóvenes músicos que empezaban a incorporar este nuevo ritmo a otros ya más consolidados como el blues y el country.
Desde el momento en que se empieza a hacer música dirigida específicamente a un público joven, surge la figura del artista con actitud rebelde, irrespetuosa, arrogante, un tanto agresiva, amante del riesgo y la velocidad, siempre en el filo de la navaja y al borde de la ley, ligada a un aspecto un tanto desgarbado y desarreglado. Se les calificaba como “outcasts”, “outlaws” o “punks”, e incluso unos pocos privilegiados llegaron a conseguir cierto éxito como: Hank Williams, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash o Eddy Cochran.
Hank Williams fue todo un ejemplo de vivir rápido, se le considera uno de los padres del country y murió con apenas 30 años en la Navidad de 1952, en extrañas circunstancias, no se sabe si se suicidó, fue debido a una sobredosis de droga, o un asesinato con arma de fuego.
Durante los locos 60, esta actitud se mezcló con la British Invasion y con el soul negro para dar como resultado el llamado “Garage” o “60´s Punk”, con un auténtico aluvión de grupos formados por gente muy joven que ensayaban en el garaje de la típica vivienda unifamiliar americana y que, por lo general, no duraban más de tres o cuatro años.
En 1974, en el barrio neoyorquino de Queens, se forman los Ramones y comienza el movimiento que ha pasado a la historia con el nombre de “punk” y que todos conocemos.
En 1979, en Los Angeles (California), Ron Silva forma los Crawdaddys para reivindicar el Rythm&Blues más crudo y corrosivo, con una actitud ciertamente punk y tocando versiones de canciones como “I´m moving on” del cantante country de los 50 Hank Snow, con lo que se cierra el círculo.
De finales de los 80 y todavía activos, hay que mencionar a Sonic Youth y a Green Day (estos últimos han ganado hoy mismo los premios MTV), que, entre otros, mantienen vivo el espíritu del 77.
29 de agosto de 2005
Julio Rescuer
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Otro comentario sobre la lista, y prometo que el próximo mensaje va a ser sobre música.
He estado leyendo algunos mensajes en la lista y alguno está recogiendo mis pedacitos, otros amigos me echan de menos y (los más) hacen mutis por el foro.
No pretendo airear más paranoias mías, pero sobre todo a los que han criticado mi forma de llevar la lista: ¿No les parece que del mismo modo que puede ser criticables ciertos comentarios míos no lo es el hecho de que acontecimientos como la Gira de Mark Knopfler y Emmylou Harris deberían de causar menos indiferencia?
Fdo.: Darth Vader (desde el lado oscuro)
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VIENTO DE PECANAS EN EL PARQUE DEL OESTE
¿En qué se parece el Oeste de Madrid al Oeste americano? –La pregunta ha surgido tras la lectura del libro "Adiós Tristeza, Enrique Urquijo", publicado recientemente por el periodista musical Miguel Ángel Bargueño, sobre la vida del cantante de Los Secretos.
Una de las canciones favoritas de Enrique era "Hickory Wind" de Gram Parsons en su etapa con los Byrds ("Sweetheart of the rodeo" 1968), una de las estrofas de esta canción dice:
"Es duro darse cuenta de que el problema es real
en una ciudad lejana, con una sensación lejana
Pero me hace sentir mejor cada vez que empieza
a llamarme a casa, el viento de pecanas".
"Hickory" (género Carya) es un árbol genuinamente americano de la familia del nogal, cuya traducción más aproximada al castellano es "pecana", como se denomina a la especie que es cultivada por sus exquisitos frutos muy similares a la nuez pero con un característico aroma, con ellos se hace el tradicional y delicioso "Pecan Pie". La madera del pecanero es dura y tenaz, es una de las favoritas para fabricar los también genuinamente americanos bates de baseball, así como para hacer carbón para asar a la parrilla, ya que su agradable fragancia da a la comida ese peculiar regusto a barbacoa americana (ni que decir tiene que ya se comercializan sprays y sobrecitos de plástico con sabor a "Hickory").
Es curioso que, a finales de los 70 y principios de los 80, había bastantes jóvenes en Madrid cuya música favorita eran las bandas de country-rock y folk norteamericanas, entre ellos estaban los hermanos Urquijo, fundadores de grupos como Tos, Los Secretos y Los Problemas (este último liderado sólo por Enrique). Por aquel entonces también surgirían algunos otros grupos inspirados en este estilo musical, como fueron: Los Pistones, La Frontera, Dinamita pa los pollos, Desperados, etc. Por no hablar de grupos mucho menos conocidos y más puristas que hacían Bluegrass, como Foiegrass.
Yo mismo, que también me crié en el barrio de Argüelles muy cerca de la casa de los Urquijo aunque con un desfase en el tiempo de seis años más joven, también me incluyo entre los adictos a la música vaquera, e incluso estoy casado con una estadounidense.
Tratando de responder a cuál es la causa de esta atracción por la música americana, sólo se me ocurren estos motivos:
- Por el contraste existente entre las grises y agobiantes calles de Madrid con respecto a los grandes espacios abiertos de luz dorada propios del Oeste americano.
- Por la colonización cultural llevada a cabo a través de las películas de western y series de TV americanas.
- Porque el ambiente castizo y muy de bares, típico de Madrid, encaja bastante bien con el aire country y fronterizo mexicano.
- Por último, se trata de una música profundamente enraizada en la tierra y en la historia, que tiene una gran belleza, profundidad, mérito artístico y está muy próxima al rock, ya que forma parte de sus raíces.
El libro "Adiós Tristeza" me ha impactado profundamente, ya que la figura de Enrique Urquijo siempre me pareció digna de una novela, y siempre le consideré como ese vecino ilustre y misterioso de mirada intensa y turbadora.
Aunque los hermanos Urquijo habían mamado la música americana, lo cierto es que cuando surgieron Tos y luego Los Secretos, a principios de los 80, hacían un pop bastante clásico con influencias británicas y de la nueva ola, si bien su música siempre ha sido un tanto atemporal y quizás debido a ello ha sobrevivido y envejecido con una gran dignidad.
A finales de los 70 ya se estaba gestando en Madrid el embrión de lo que sería la famosa "movida" con grupos pioneros como Burning, Tequila, Mermelada, Mamá, Nacha Pop y Tos, que hacían un pop-rock bastante clásico. Sin embargo, con la irrupción del punk surgieron nuevos grupos más osados, innovadores e irreverentes que se atrevieron a hacer música a pesar de que la mayoría de ellos tenían escasos conocimientos en la materia, y se originó un absurdo enfrentamiento entre los llamados modernos y los babosos, término con el que despectivamente los nuevos grupos calificaron a los pioneros del pop, echándoles en cara que hacían una música demasiado blanda y tradicional.
Lo cierto es que Los Secretos fueron incomprendidos a dos bandas: para el público más rockero eran unos "pijos babosos", y para la gente con gustos más convencionales eran unos "yonkis greñudos". Aún así, cuando las "Hornadas irritantes" y otros grupos modernos comenzaron su declive, Los Secretos supieron evolucionar hacia un pop-rock (ahora sí) con claras influencias del country y de las rancheras mejicanas, componiendo temas tan sublimes como "Quiero beber hasta perder el control".
La personalidad de Enrique Urquijo es digna de un estudio en profundidad, su imagen pública estaba llena de tópicos, artista genial, hipersensible, tímido, introvertido, ingenuo y atormentado, con serios problemas de adicción al alcohol y otras drogas que finalmente acabaron con su vida una triste noche del 17 de noviembre de 1.999 en un portal de la Calle Espíritu Santo en el madrileño barrio de Malasaña.
Sin embargo, tras la muy recomendable lectura del mencionado libro "Adiós Tristeza", a modo de resumen haré algunas observaciones.
Mi impresión sobre Enrique es que fue un niño bien, mimado por su madre, con una sensibilidad extraordinaria, de mentalidad un tanto débil y frágil, aunque tremendamente tozudo y fuerte físicamente.
Siguió siendo un niño hasta el momento de su muerte, era un buenazo, un alma cándida que nunca supo adaptarse a la vida real, por lo que vivía dentro de su rico mundo interior, en perpetua búsqueda de algo que ni siquiera él sabía lo que era. Y también tenía una cualidad muy española, que es la exaltación del dolor y el sufrimiento, como algo meritorio y heroico, era el típico artista que necesitaba sufrir para crear. Sus letras eran tremendamente sentidas y honestas, reflejan verdaderamente lo que fue su vida y su forma de ser.
Se agobiaba por cualquier responsabilidad o situación tensa, por lo que siempre necesitó tener a su lado una persona fuerte que le sacara las castañas del fuego, mejor si era una mujer.
Sus novias siempre fueron muy jóvenes, ya que Enrique era también muy inmaduro y frágil, e inspiraba en ellas un sentimiento maternal de protección que es lo que él quería.
Realmente tenía la mentalidad y estilo de vida de un músico bohemio, auténtico, honesto y un tanto "underground" que, por casualidades del destino, alcanzó muy pronto el éxito de un público mayoritario para el que quizás no estaba preparado. Él mismo admitió que formó Los Problemas para poder cantar la música acústica que le apetecía en pequeños locales, sin la presión que suponía la industria y el público que giraba en torno a Los Secretos.
Pero lo que le llevó a la perdición, fue su tremenda ansiedad y forma exagerada, apresurada y obsesiva de consumir la vida. Tenía un lado oscuro, un destino fatídico, que le arrastraba irremediablemente hacia la autodestrucción.
Conectó muy bien con otras almas gemelas contemporáneas a la suya como fueron Antonio Vega (de Nacha Pop), José María Granados (Mamá), Javier Teixidó (Mermelada) y Joaquín Sabina, además de contar con la amistad y el respeto de otros innumerables artistas, DJs y periodistas que lo conocieron.
Enrique adoraba a los niños, veía en ellos la pureza y la inocencia que tanto anhelaba, muchas de sus canciones hablan sobre la niñez ("Niño mimado", "Volver a ser niño"). El 9 de agosto de 1994, fruto de su relación con Almudena Navarro, nació su hija María (a la que dedicó la canción "Agárrate a mí María"), la cual había sido previamente "bendecida" el 28 de mayo de 1994 por quien fuera la musa particular de Gram Parsons -Emmylou Harris- cuando, después del concierto que ésta dio en Vitoria, Enrique y Almudena fueron a visitarla al camerino y Emmylou puso las manos sobre el vientre de la madre de María en un místico y espontáneo acto. Por allí estaba también el mánager de Emmylou, el legendario Phil Kaufman, quien también fuera mánager de Parsons y que, cuando éste murió en septiembre de 1973 (también de sobredosis), raptó su cadáver en el Aeropuerto de Los Ángeles, cuando iba a ser trasladado a Nueva Orleans para ser enterrado, y lo incineró en el desierto de Sonorah (Joshua Tree National Park), cumpliendo con los deseos del mítico "ángel afligido".
No ha sido casualidad empezar y acabar hablando de Gram Parsons, al tratar sobre la vida de Enrique Urquijo, porque el paralelismo entre la vida de ambos artistas es sorprendente. El periodista musical José María Rey en un artículo publicado a finales de los 80, dentro del coleccionable de El País "Historia del Rock, Nº 29: Country-Rock", describe a Parsons de la forma siguiente:
"Tenía una voz de ángel triste que encajaba con perversa ironía y sentimiento su íntimo conflicto: un chico bien, atrapado entre el sur profundo y cristiano y los excesos de la ciudad del pecado".
Esto es perfectamente aplicable a Enrique Urquijo, cambiando "el sur profundo y cristiano" por "la austera y católica Castilla"; y la ciudad del pecado, en su caso, sería Madrid.
El mismo Enrique, que era perfectamente consciente de sus vicios y limitaciones, llegó a confesar a un amigo en cierta ocasión: "Ya sólo me falta acabar como Gram Parsons".
Esa misma página de "Historia del Rock" está encabezada por una estremecedora frase de Emmylou:
"Las personas con visiones sombrías o fatalistas ven la luz antes que los demás. Gram fue una de ellas".
¡Gracias y hasta siempre Enrique y Gram!
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EL MES QUE LA MÚSICA MURIÓ DOS VECES
(FEBRERO 1959 – FEBRERO 2006)
TRIBUTO A WAYLON JENNINGS
El 3 de febrero de 1959 un avión ligero se estrellaba en un campo cercano a Mason City (Iowa) llevandose consigo a tres jovenes artistas: Buddy Holly (22 años), Ritchie Valens (17 años, había realizado "La Bamba" un mes antes) y Jiles Perry Richardson (The Big Bopper) con 28 años. Esa fatídica fecha ha pasado a la historia como "el día que murió la música".
Buddy Holly había alquilado el avión para trasladarse junto con su banda a la próxima ciudad de la gira que estaban realizando junto a Valens y Richardson en Dakota del Norte, mientras que algunos músicos y el resto del personal que les acompañaba en la gira utilizaron un transporte más convencional como el autobús.
Entre los afortunados que cogieron el autobús y se salvaron de la tragedia, se encontraba Wayland Arnold Jennings, más conocido como Waylon Jennings, quien cedió su asiento en el fatídico vuelo a J. P. Richardson, por sufrir éste un fuerte catarro.
Waylon había conocido al también tejano Buddy Holly a primeros de los 50 cuando el primero se trasladó a Lubbock (Texas), donde tenía contactos con la cadena de radio KLLL y pudo actuar en programas como "Sunday Dance Party". Por aquel entonces Holly empezaba a alcanzar cierto éxito a nivel nacional y le ofreció a Waylon tocar temporalmente el bajo en su banda (The Crickets). En 1958, Holly financió, produjo y tocó en la primera sesión de grabación de Waylon. Posteriormente éste reconoció que "Buddy fue la primera persona que tuvo fé en mí como cantante. El era un mago de la guitarra rítmica, que es básicamente lo que intento ser yo. Él me enseñó que puedes coger canciones de country y darles ritmos diferentes. Él me enseñó los temas tipo Calipso, y cosas como coger un Waltz y hacerlo en 6/8 en vez de el habitual 3 /4. Pero lo más importante que aprendí de Buddy fue su actitud, él amaba la música y me enseñó que no debía ponerle ninguna barrera".
Devastado por la muerte de Holly, Waylon se trasladó a Phoenix (Arizona) donde perfeccionó su famoso estilo de "punteo del pollo" (chicken-pickin´) con su guitarra solista Telecaster. Waylon se convirtió en una celebridad local, con su ecléctico repertorio que incluía versiones de Bob Dylan. Fue durante este periodo cuando formó su grupo "The Waylors".
Tras una intensa carrera en la que participó en alguna película ("Nasville Rebel", 1966), colaboró con numerosos artistas y tuvo (cómo no) algunos problemas con el alcohol y las drogas, Waylon empezó a sentar la cabeza con su cuarto matrimonio en 1969 con la cantante Jessi Colter.
Entre 1977 y 1983, su popularidad era tan grande que firmaba sus discos simplemente con el nombre de "Waylon", la causa de ese éxito puede explicarse en tres palabras: "Wanted! The Outlaws", fue un álbum conceptual de 1976 que se apartaba del sonido tradicional de Nashville, y que agrupó a Waylon, Jessi, Willie Nelson y Tompall Glaser. El disco tuvo un gran éxito y fue nombrado Album del Año por la Country Music Association, Waylon y Willie fueron el Dúo del Año, y en 1985 el LP ya tenía dos discos de platino.
Lo cierto es que la voz grave y un tanto engolada de Waylon se complementa a la perfección con la más aguda y vitalista de Willie Nelson, dando como resultado joyas como "Just to Satisfy You" o "Mammas Don´t Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys". Ésta última, curiosamente, no la grabaron juntos en el estudio, sino que Willie introdujo posteriormente su voz sobre una grabación previa de Waylon, el single obtuvo un Grammy en 1978.
Naturalmente, también cantó muy a menudo a dúo con su esposa Jessi Colter en canciones tan impresionantes como "Wild Side of Life (It Wasn´t God Who Made Honky-Tonk Angels)" o "Storms Never Last".
En 1986, Waylon formó un supergrupo de country junto a Johnny Cash, Willie Nelson y Kris Kristofferson, autodenominándose los "Highwaymen" y publicando un álbum con el mismo nombre que fue disco de oro. En 1990 se hizo un revival denominado "Highwaymen II".
En octubre de 2001, Waylon entró en la Country Music Hall of Fame.
Las contribuciones de Waylon no se han limitado al mundo de la música. Ha sido locutor comercial para la cadena "Pizza Hut"; ha participado en películas como "Stagecoach" de la CBS-TV con los "Highwaymen"; "Oklahoma City Dolls" una película de ABC-TV con Eddie Albert y Susan Blakely; "Follow That Bird" una película de Barrio Sésamo en la que Waylon hacía el papel de granjero. Hizo un cameo en "Maverick", película en la que también colaboró en la banda sonora con "You Don´t Mess Around With Me"; y tuvo un papel en la serie "Married with Children" ("Matrimonio con Hijos") de la FOX-TV, en la que hacía de un profeta loco de las montañas llamado Ironhead Haynes.
A los 64 años, el 13 de Febrero de 2002 Waylon murió en su casa de Chandler (Arizona). Padecía de diabetes y le había sido amputado un pie recientemente. Aunque su último año estuvo muy ocupado, ya que actuó en 100 conciertos, RCA hizo una edición del Vigésimo Aniversario de "Wanted: The Outlaws", realizó un nuevo álbum en Justice Records y se publicó su biografía autorizada, escrita por el músico y escritor Lenny Kaye.
En el 2003 se publicaron dos recopilaciones de tributo a la memoria y figura de Waylon:
Una es la oficial, de RCA, denominada "I´ve Always Been Crazy: A Tribute to Waylon Jennings". Autorizada por su viuda Jessi Colter y en la que contribuye con una nueva versión de "Storms Never Last". Además participan Brooks & Dunn con "I Ain´t Living Long Like This"; Kenny Chesney con Kid Rock tocan "Luckenbach, Texas"; Sara Evans con Deana Carter hacen "Mammas Don´t Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys"; Andy Griggs ("This Time"); Ben Harper ("Waymore´s Blues"); el cantante de Metallica –James Hetfield- canta "Don´t You Think This Outlaw Bit´s Done Got Out of Hand"; Alison Krauss ("You Asked Me To"); John Mellencamp ("Are You Sure Hank Done It This Way"); Pinmonkey ("Are You Ready for the Country"); Travis Tritt ("Lonesome, On´ry and Mean") ¡¡Vaya guitarras!!; Phil Vassar con Rob Thomas ("A Good Hearted Woman"); Hank Williams Jr. ("Only Daddy That´ll Walk the Line"); y Dwight Yoakam ("Stop the World (And Let Me Off)"). Además, el hijo de Waylon y Jessi –Shooter Jennings- aporta el talento de su banda, "Stargunn", a la canción de su padre "I´ve Always Been Crazy" que da título al álbum.
Y otra, "alternativa" de Dualtone Records, llamada "Lonesome, On´ry and Mean: A Tribute to Waylon Jennings" que incluye versiones de artistas menos conocidos como: Guy Clark, Nanci Griffith, Junior Brown, Carlene Carter, Allison Moorer, y la reciente ganadora de un Grammy, Norah Jones, que hace una versión del nº1 de Jennings en 1997 "Wurlitzer Prize (I Don´t Want to Get Over You)".
Como vemos nadie quiere perderse estos homenajes a Waylon, leyenda indiscutible de la música, que ha influido en numerosas generaciones de artistas dentro y fuera del Country.
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EL IMPREVISIBLE VIENTO DE LA PRADERA SOPLA DE NUEVO
Un día escuchando la radio, Madrid 1985, en plena "movida", "Sin Nicotina" (cómo no) me sorprendí a mí mismo disfrutando de una profunda e intensa armónica, seguida de una evocadora sección de cuerda, de repente una relajante sensación de serenidad me invadió y por unos instantes me trasladé a los grandes espacios abiertos de norteamérica. El contraste con el agobiante ambiente urbano y con la música que estaba acostumbrado a escuchar fue tan grande, que aquellos "nuevos" sonidos causaron una gran impresión en mis jóvenes oídos de 19 añitos recién cumplidos. La canción era "Wayward Wind", el cantante Neil Young a dúo con la dulce y desgarradora voz de Denise Draper, de su LP "Old Ways", el cual finalmente gané como premio a un dibujo que mandé a un concurso organizado por dicho programa de radio, dirigido y presentado por el inolvidable y honesto Fernando García.
"Old Ways" supuso la vuelta de Neil Young a las más puras raíces del country, y está lleno de preciosas canciones repletas de armónicas, steel guitars, fiddles, arpas de boca y banjos, así como algunos imponentes dúos con leyendas de la talla de Waylon Jennings o Willie Nelson; y es que Young, desde que comenzó en 1966 con Buffalo Springfield, siempre se ha movido en esa fina y difusa línea que hay entre el rock, el country y el folk, sin eludir los toques eléctricos de psycodelia propios de la época.
Cuando vi la portada del disco y escuché esa música tan campestre, me dije: ¡Pero qué hace este tío haciendo esta música en plena "New Wave"! -Pero lo cierto es que me gustó y me atrapó, hasta el punto de que añadí a mi vestuario unas botas camperas y un sombrero tejano, que la verdad es que no venía nada mal para protegerse la sesera del implacable sol mesetario de Madrid.
Con los años uno va madurando, templándose y sosegándose; y, en mi caso, por razones laborales y vocacionales, fue creciendo en mí el interés por todo lo relacionado con la Naturaleza, las gentes del campo, la vida silvestre y el mundo rural.
Desde el 85 he seguido someramente la inusual y atípica carrera de este "lobo solitario de las praderas canadienses", aunque con cierta fama, y afincado en un rancho del Norte de California, la vida de Neil no ha sido nada fácil.
Nació en Toronto en 1946, su padre Scott Young fue un afamado periodista deportivo y un buen escritor, en 1984 escribió un libro autobiográfico de mucho éxito titulado "Neil and me", y le inculcó su amor por la música y la Naturaleza. Le gusta contar la anécdota de cuando su padre le compró a los 12 años un barato aunque bonito ukelele de plástico con la foto de Arthur Godfrey impresa, que había visto en su tienda habitual de discos (por aquel entonces sólo tenía dos discos) y del que se había encaprichado, un buen día su padre apareció en casa con el ukelele y para su sorpresa se puso a tocarlo y a cantar algunas canciones populares, era la primera vez que veía a su padre tocar, hasta aquel momento ni siquiera tenía la más remota idea de que su padre sabía tocar.
Su padre, que ha fallecido recientemente, también le animó a escribir diciéndole: "Pase lo que pase no dejes nunca de escribir, aunque creas que no tienes nada que decir, ponte delante del papel y escribe lo primero que se te pase por la cabeza, sin preocuparte de nada, abre la mente y déjate llevar, te sorprenderás de lo que hay dentro de ti".
Tras dar dos únicas clases de guitarra, enseguida se dio cuenta de que lo suyo era la música. El primer grupo con el que alcanzó cierta fama en su Toronto natal fueron los "Mynah Birds" que tocaban un funky-soul-pop a primeros de los 60, con el "super freak" Rick James a la cabeza, Neil tocaba una guitarra eléctrica de 12 cuerdas y ficharon con la Motown.
Gran amante de las guitarras, se considera discípulo de Jimy Hendrix y tiene una gran colección entre las que se encuentra una auténtica joya que perteneció al gran Hank Williams, que en cierta ocasión prestó a Bob Dylan junto con su autobús de giras (Neil siempre se ha caracterizado por su gran generosidad). Aunque su instrumento favorito, con el que consigue una comunicación más directa y eficaz es sin duda la armónica.
En los años 90 se convirtió en el gurú y referente de muchos grupos del llamado estilo "Grunge" por lo que Neil se ganó el apelativo del "Padrino del Grunge" (Godfather of Grunge). En aquellos años se hicieron algunas buenas versiones de su clásico "Don´t Cry No Tears".
En lo que respecta a su vida familiar tuvo la desgracia de que tanto su hija (Zeke) como su hijo (Ben) naciesen con parálisis cerebral, frente a lo cual Neil sacó el coraje, el pragmatismo y la autosuficiencia propios de un granjero americano, y fue capaz de idear sistemas informáticos que le posibilitaron la comunicación de sus hijos, y de montar en 1986, junto con su mujer Pegi, una escuela modelo para niños discapacitados –la Bridge School- en Hillsborough (California).
Su preocupación por los temas medio ambientales (sin falsas sensiblerías de "ecologeta" urbanita) y por el mundo rural, se pone de manifiesto en su participación en las campañas denominadas "Farm Aid", en las que ha colaborado con otros artistas como Willie Nelson o Bruce Springsteen. Su coherencia llega hasta el extremo de que el abastecimiento de energía en estos conciertos procede de generadores alimentados con biodiesel cultivado por los propios granjeros. Como él dice, cuando Rudolph Diesel inventó en 1900 el motor que lleva su nombre, éste no funcionaba con gasoil sino con aceite de cacahuete, no fue algo que se inventase en los desiertos, ni tenía nada que ver con el petróleo, eso vino después.
Otra de sus breves pero demoledoras frases, que da que pensar, es la siguiente: "Es muy fácil colocar a alguien la etiqueta de "ecologista" o persona con "conciencia medioambiental", para quitárnoslo de encima tratando de minar su credibilidad, pero los hechos y las señales de lo que realmente está pasando en la Tierra están ahí y todos las podemos ver, el colocar ese tipo de etiquetas para tranquilizar nuestras conciencias tiene su precio".
En marzo de 2005, Neil Young acudió a la ceremonia de bienvenida a la Rock and Roll Hall of Fame de Chrissie Hynde de los Pretenders, en el Waldorf-Astoria de New York. Al día siguiente mientras se estaba afeitando en la habitación del hotel vio algo extraño en su ojo, como un trozo de cristal roto que no se le iba hiciese lo que hiciese, así que decidió ir al doctor para hacerse un chequeo, el resultado fue que le descubrieron un aneurisma y que tenían que operarle lo antes posible.
Pero Neil estaba decidido a grabar un disco en Nashville, así que con aneurisma y todo se fue para allá a los míticos estudios "Master Link" de Nashville (que conservan la fachada de la antigua iglesia que fue) para comenzar a grabar su último LP "Prairie Wind", durante el verano de 2005. En los intervalos entre las sesiones de grabación se tuvo que ir a Nueva York varias veces para los preparativos, la operación y los controles posteriores, afortunadamente se ha quedado muy bien aunque tiene que cuidar su dieta y tomar medicación. El asunto, inevitablemente, se ha reflejado en las canciones, ya que, además, el tío se fue a Nashville sólo con una canción "The Painter" (inspirada en su hija) y la melodía de "No Wonder", el resto de las canciones las fue componiendo sobre la marcha, algunas de ellas en tan sólo 15 minutos, con resultados tan magistrales como "It´s a dream", con unos preciosos arreglos de cuerda, cuya puesta en escena y sonido conseguidos acompañado por una orquesta filarmónica en el Ryman Auditorium (agosto 2005) fueron impresionantes; o "Far from home" en la que la desgarradora armónica de Neil se funde a la perfección con una sonora sección de viento, que recuerda su polémica canción y vídeo de 1988 "This note is for you", en la que ridiculizaba el exacerbado mercantilismo de las grandes estrellas del pop.
Por otra parte, toda la crítica coincide en indicar que el sonido de "Prairie Wind" es heredero directo de su famoso "Harvest" (1972) en su mejor época acústica.
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DÚOS
Está bien, lo reconozco, lo admito, me gustan los dúos clásicos femenino-masculino de buenas canciones de country, qué le vamos a hacer soy así de hortera y romántico trasnochado, si bien parece que no soy el único, a juzgar por los galardonados en los últimos premios "Grammy".
El premio a la mejor colaboración vocal de country ha sido para la canción "Portland Oregon" cantada a dúo por Loretta Lynn y Jack White, curiosa pareja.
Loretta es una de esas grandes damas del country con una voz privilegiada, que comenzó su carrera hace 45 años. A pesar de sus múltiples éxitos, inexplicablemente, sólo había obtenido un Grammy en 1971 por su dúo con Conway Twitty "After the fire is gone". Otra curiosidad es que, siendo toda una institución del country, su último álbum "Van Leer Rose" (en el que se incluye "Portland Oregon"), que también ha obtenido el Grammy al mejor álbum de este estilo, suele figurar en la sección de "Americana" o "Alt Country", algo que también le sucede a otras divas de gran personalidad (y "pechonalidad") como Dolly Parton.
Por su parte, Jack White es un joven valor del country-rock con aspecto un tanto siniestro-psycodélico. Lo cierto es que "Portland Oregon" es una gran canción de Loretta que interpretada junto a Jack y con los arreglos un tanto "Rock-sinfónico-psycodélico" que le han metido, a mí me recuerda a la sublime "She Rides" de los inolvidables Long Ryders, con lo que el efecto final es sorprendente y muy logrado.
En el otro extremo, un joven dúo que acaba de debutar –"The Wrights"- formado por el matrimonio de Adam y Shannon van a publicar su primer álbum el próximo mes de mayo, con canciones tan magníficas como "Down this road" que trata de gente tan quemada a la que ya ni siquiera le importa volver a quemarse una vez más, total ya que más da.
Su estilo es más bien clásico, con un toque joven de la más fresca, acústica y armoniosa "Americana". El álbum lo van a sacar con ACR (Alan´s Country Records) el sello de Alan Jackson. Para más pistas, Adam Wright es sobrino del "Príncipe" de Georgia y con él cantan a trío el tema "Leave a light on".
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Estos días se habla mucho en algunos medios de comunicación de que se está atacando a cierta emisora de radio por ser "critica con el gobierno" y se habla de palabras como "censura".
Censura es una palabra que detesto y que me gustaría censurar. Antes que cualquier poder público o cualquier particular haga algún amago de solicitar que ese medio desaparezca de las ondas, o crear instituciones destinadas a censurar a los mismos, prefiero seguir manteniendo mi derecho a no escucharles.
Personalmente discrepo mucho de las opiniones de los colaboradores de dichos medios, y en muchos casos me han revuelto el estómago, pero creo que en caso de que alquien considere que están cometiendo un delito con sus opiniones siempre puede acudir a los tribunales de justicia por injuriar o difamar.
Creo que el seguirles la corriente es completamente negativo, porque ellos lo que quieren es vender una imagen de santos o mártires (pobres angelitos)
Lo que sí está claro, es que yo a estas alturas no me creo que lo grandes medios de comunicación de España (aunque suene conservador prefiero decir España antes que Estado Español) se rijan por otros intereses diferentes al de obtener los máximos beneficios. Unos y otros saben que tienen una posible audiencia de unos cuantos millones y no hacen sino repartirse el pastel con gente que les sintoniza, compra sus periódicos o ve sus televisiones, para escuchar, leer o ver "lo que quieren escuchar, leer o ver" (o según un servidor, que siempre hay alguien que tiene que llevar la contraria: lo que ellos quieren que escuches, leas o veas) |
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Esta sería mi lista de los mejores del año en Americana. Por supuesto que son criterios personales y los de cada cual son igual de válidos, así que os animo a que hagáis la vuestra:
1. VVAA: Toma Uno. Radio con Botas.
"...no se trata de una mirada nostálgica al pasado, de una reivindicación, o de un disco hecho para la familia o los amigos. Es la puesta al día de un espacio que nunca ha permanecido inmóvil ni ha sido reacio a las innovaciones y los cambios de rumbo". Así define Manolo Fernández esta antología, la primera que se hace del programa que dirige y presenta desde hace más de treinta años, toda una referencia para los amantes de la música americana de raíces. Desde aquellos años 70 en los que el country-rock estaba en pleno auge, pasando por el neotradicionalismo de los 80 y 90 (periodo en el que un servidor descubrió el programa) hasta el movimiento de Americana de nuestros días, Manolo nos ha mostrado lo mejor de cada momento, sin olvidar la tradición, pero dejando claro que el country y sus generos anexos se han sabido adaptar a cada época con bastante solvencia (así lo podemos atestiguar los muchos seguidores del programa)
Para que saliera adelante este proyecto han tenido que confluir varios factores: la sabiduría y la experiencia de Manolo, con el trabajo y la constancia de los chicos de la distribuidora Dock, la mayor referencia en cuanto a sellos Country y Americana de nuestro país; que además la temporada pasada tuvieron la valentía de sacar adelante el doble recopilatorio "La Ruta del Americana", con una acogida excelente. Indicar también que Manolo realizó en el año 1.999 una interesante antología titulada "Sin Rodeos".
La recopilación está formada por 32 temas (los años que cumple el programa) más la sintonia de cabecera (la estupenda Wolf Creek de Dan Fogelberg) Que "cualquier tiempo pasado necesariamente no tuvo por que ser mejor", lo corroboran veteranos del calibre de Dwight Yoakam (con la rockera Blame The Vain), Nitty Gritty Dirt Band (Any Love But Our Love), Tom Russell, John Hiatt (con su notable Master of Disaster)...; algunos de los máximos exponentes de lo que se define como Americana en la actualidad (Buddy Miller, Greg Trooper, Allison Moorer); promesas que ya son realidad (The Greencards, Julie Lee, The Duhks, Sarah Lee Guthrie y Johnny Irion, Reckless Kelly, Mindy Smith); o defensores del country más tradicional (Heather Myles, Dale Watson,...) También podemos encontrar a músicos inclasificables pero realmente geniales como Chuck Prophet o los Hacienda Brothers (con su Tucson Sound); o cantautoras como Kate Campbell, Patty Griffin (a dúo con su amiga Emmylou Harris), o Gretchen Petters.
Es realmente un acierto que aparezca el dúo de Kelly Willis y Bruce Robison homenajeando al gran Billy Joe Shaver (Ride Me Down Easy), también lo es la inclusión de David Ball rindiendo tributo al cancionero de Stephen Foster (Old Folks At Home/ Swanee River) y la participación de Suzy Boggus junto a Ray Benson a ritmo de Swing (Cupid Shot Us Both With One Arrow)
Los únicos guiños al pasado son la mencionada sintonía y una versión en directo de "Henry" de los New Riders of The Purple Sage, registrada en 1.972 (formación de cabecera para todos los amantes del country-rock), el resto es material que va desde los 90 hasta ahora. Es cierto que muchos de los artistas participantes (The Nitty Gritty Dirt Band – los más veteranos-, Dwight Yoakam, Tom Russell, The Flatlanders) tienen una larga trayectoria a las espaldas, pero aquí dejan claro que todavía se encuentran en una forma artística envidiable.
Como valor añadido, Tim O´ Brien (del que muchos recordamos su gran actuación el año pasado en Madrid) nos adelanta un tema de su próximo disco. También destacan como propina la presencia de dos formaciones nacionales: el conjunto tex-mex Spanish Conjunto San Antonio y el trío acústico Viagrass, con su primera participación discográfica.
El lote incluye además un DVD con 13 videos, de algunos de los artistas que aportan temas en los Cds (Dwight Yoakam y su Intentional Heartache, Charlie Robison, Chuck Prophet con Age Of Miracles, The Greencards) y otros que no aparecen en los mismos (Chely Wright, Chris Knight, Kevin Kinney)
Destacar también la bonita presentación en Digipack y el extenso libreto, con los temas comentados uno a uno por Manolo Fernández y las notas de presentación de Santiago Alcanda, gran fan del programa.
Esperemos que esta iniciativa tenga continuidad las temporadas próximas y que además sea un revulsivo para que otras compañías lleven a cabo proyectos similares.
Cada uno tenemos en la cabeza cual sería nuestro recopilatorio ideal, pero no hay duda de que "Toma Uno. Radio con Botas" es una buena muestra de "la mejor música country (o si Vds. lo prefieren, Americana) que puedas imaginar". Júzguenlo Vds.
2. Lucinda Williams: Live @The Fillmore.
3. Wilco: Kicking Television.
4. John Hiatt: Master Of Disaster.
5. Hacienda Brothers.
6. Sarah Lee Guthrie & Johnny Irion: Exploration.
7. Neil Young: Prairie Wind.
8. Kathleen Edwards: Back To Me.
9. The Duhks.
10. Dwight Yoakam: Blame The Vain.
11. Marah: If You Didn´t Laugh You´d Cry.
12. Laura Cantrell: Humming By The Flowered Wine.
13. Son Volt: Okemah & The Melody Of Riot.
14. Bruce Springsteen: Devils & Dust.
15. Sarah Borges: Silver City.
16. Tim O´Brien: Cornbread Nation/ Fiddler´s Green.
17. Ryan Adams: Cold Roses/ Jacksonville City Nights (todavía no he escuchado 29, que sale a la venta dentro de una semana)
18. Caitlin Cary & Thad Cockrell: Begonias.
19. Reckless Kelly: Wicked Twisted Road.
20. Cindy Bullens: Dream#29.
21. Robbie Fulks: Georgia Hard.
22. Patty Loveless: Dreamin´My Dreams.
23. Joy Lynn White: One More Time.
24: Rodney Crowell: The Outsider.
25. Kathy Mattea: Right Out Of Nowhere .
Grupos españoles:
1. Blueberry Hill.
2. Freewheelin´Tornados.
3. Los Deltonos.
4. Los Silvertones.
5. Big Hat.
Conciertos:
1. Steve Earle & Allison Moorer. Aqualung.
2. Wilco. Aqualung.
3. Hacienda Brothers. Arena.
4. Chuck Prophet. Moby Dick
5. Crosby & Nash. Palacio de Congresos del Campo de las Naciones.
6. Marah+Cindy Bullens: El Sol.
7. Sarah Lee Guthrie & Johnny Irion: El Sol.
8. Los Lobos: Cuartel del Conde Duque.
9. Bela Fleck, Stanley Clarke & Jean Luc Ponty: Cuartel del Conde Duque.
10. Clem Snide: Moby Dick.
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Una cosa más y me acuesto. Pensando en mi historia con Narciso me he acordado de Mi Calle, el clásico de los Lone Star (de la que posteriormente hicieron sendas versiones los Desperados y Loquillo), banda barcelonesa de los 60 no lo suficientemente reivindicada.
Dedicada a Narciso y a todos los chorizos y yonkis de Caño Roto.
MI CALLE.
Vivo en un lugar, donde no llega la luz,
niños se ven, que van descalzos, sin salud.
Por la estrecha calle, algun carro viene y va,
y cuando llueve, no se puede, caminar.
Mi calle tiene un oscuro bar, húmedas paredes
pero se que alguna vez, cambiará mi suerte
Doy mi dirección, a quien brindo mi amistad,
mas al saberla, no me quieren, visitar.
Pero alguna vez, siempre por casualidad,
he visto amigos, con mujeres, en el bar.
Mi calle tiene un oscuro bar, húmedas paredes
pero se que alguna vez, cambiará mi suerte
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